"INSENSIBLES (2012)": Fascistas, nazis y otros monstruos...

Estoy hastiado de cine sobre la Guerra Civil. Por eso, de entrada, voy de uñas ante una nueva vuelta de tuerca sobre tan manido argumentario. Y más cuando, el asunto huele a simplificación panfletaria y cainita. El único modo de darme coba y que me trague otra más es que no sea igual, o al menos lo intente. Por eso, sobre el papel, “Insensibles” pintaba bien y me motivo a hacer un acto de fe y entrar a verla.

Si bien el filme arranca potente y pica la curiosidad del espectador, a medida que su metraje avanza se va adivinando hacia donde se dirige. Y ello no puede impedirlo ese gazpacho de géneros fantástico, terror, histórico, drama y discurso militante que su debutante realizador propone como factor de presunta innovación. Y digo presunta porque salirse exitosamente por la tangente, en el asunto de la Guerra Civil, es algo que ya fue explorado con ejemplaridad hace años por Guillermo del Toro, que supo, en “El espinazo del Diablo” y “El laberinto del Fauno”, insuflar esa frescura y novedad que se echaba de menos cada vez que un filme acometía por enésima vez la infortunada contienda fraticida. Es curioso que siempre tengan que venir de fuera a darnos lecciones de perspectiva sobre el particular.

Sí que es de alabar cierta inventiva y alardes en la planificación de escenas, y capacidad para gestionar limitaciones presupuestarias sin perder punch visual, pero ello no basta para sustentar una narración que vuelve a transitar por tópicos y lugares comunes, y que, y esto es lo peor, no está bien contada, proponiendo situaciones inverosímiles o que no se resuelven y deben tragarse porque sí. Esto, amigos, es imperdonable, por muy opera prima que sea, por muy espíritu de serie B de género que quiera tener la película y por mucho flash back que trate de dar coartada a eludir explicaciones. Además, el trazo descriptivo de los personajes se simplifica también a medida que caen minutos, de suerte que en la resolución final nada nos mueve a emocionarnos con ellos pese a sus monstruosas peripecias vitales.

By Harry Callahan

NOTA: 4/10

TÍTULO ORIGINAL: Insensibles

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-192239/trailer-19412612/

WEB OFICIAL: http://www.acontracorrientefilms.com/pelicula/127/insensibles/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1757769/

"UTOPÍA (serie TV)": Warhol y las sopas Campbell

En 1962 Andy Warhol tomó algo que todo el mundo estaba harto de ver y lo transformó en un icono de la cultura popular. Me refiero a las célebres sopas Campbell. Aquellas latas de comida no tenían nada del otro mundo, pero la forma en la que aquel tipo las retrató en un lienzo serigrafiado las haría entrar en el Olimpo de los objetos de culto de la historia del arte.

Algo así ocurre con “Utopia”, salvando las distancias. No es que su creador, Dennis Kelly, sea el heredero televisivo de Andy Warhol. Pero sí que, en esencia, ha hecho lo mismo que el que fuera gurú del pop art: coger algo manido, un argumento cien veces contado y presentarlo con un envoltorio estético que pasma al espectador.

Y es que la historia conspiranoica de esta serie británica, en el fondo y en la superficie, es de un trillado que ya no sorprende. Además, presenta más agujeros que un campo de golf. Y tiene un reparto de actores/personajes descompensado, que va desde Arby, un notable sucedáneo del asesino de Javier Bardem en “No es país para viejos”; hasta Dugdale, el irritante funcionario del ministerio de salud al que la presunta pandemia debiera haberse llevado el primero; pasando por esa prima lejana defectuosa de Lara Croft, la flacucha y enigmática Jessica Hyde, cuya gestualidad y morritos apasionan o despierta odios viscerales.

Como digo, nada nuevo ni especial bajo el sol que, no obstante, se camufla y hasta brilla por momentos gracias a una puesta en escena arrolladora basada en tres elementos clave: la fotografía más cool que jamás he visto en televisión; un montaje musical y de imágenes hipnótico; y un diseño de producción descubridor de escenarios y sets en los que lo anterior encuentra su paraíso y acomodo perfecto.

Porque “Utopía” podría contarnos, en sus episodios, las instrucciones de funcionamiento de una batidora, e igualmente nos quedaríamos pegados a la pantalla, como mosquitos a una lámpara fluorescente, absortos, impávidos. Consiguiendo lo mismo que Warhol con las latas Campbell: que algo mil veces visto nos llame la atención (y de qué manera), gracias a una propuesta, esencialmente plástica.

Trailer de la serie en VO

Me vuelvo a descubrir ante Channel 4, que cuando no encuentra argumentos originalísimos para sus series, como es el caso de “Black Mirror”, demuestra que la vieja historia de siempre, sí que se puede contar de nuevas maneras, alucinantes y alucinógenas.

By Harry Callahan

NOTA: 8/10 

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST CON EXTRAS: http://www.fileden.com/files/2012/12/22/3379132/UtopiaCriticaSerieTv.mp3

TÍTULO ORIGINAL: "Utopia"

TRAILER: http://www.sensacine.com/series/serie-11346/video-19492022/

WEB OFICIAL: http://www.channel4.com/programmes/utopia/episode-guide/series-1

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt2384811/

EN ESPAÑA LA EMITE: Canal +
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST: http://www.jamendo.com/es/track/6568/the-final-rewind

"UN AMIGO PARA FRANK (2012)": Una película con alma que llega al corazón

"Un amigo para Frank" es un filme sin pretensiones de trascender. Y en eso reside su virtud. Así, pese a ser ciencia ficción y hablar de robots, por ejemplo, está inteligentemente ambientada a la vuelta de la esquina, cuando los prototipos que aparecen en los títulos de crédito finales han dejado de serlo y comienzan a compartir nuestras vidas. 

Con ello queda claro que el objetivo de esta pequeña producción, no es subyugarnos con una apabullante y costosa puesta en escena futurista. No van por ahí los tiros. El asunto de la inteligencia artificial, eso si, es la coartada perfecta para hablar de memoria, de recuerdos y esa terrible azote muy contemporáneo que es el Alzheimer.

No obstante, no hay que alarmarse ni esperar un dramón lacrimógeno. La emoción del filme es sutil y buena clave de la misma reside en apoyarse en toques de comedia que desengrasan y ayudan al espectador a empalizar con los personajes.Desde ese punto de vista, es notable el hecho de que se consiga tomar cariño a un robot de rasgos tan elementales y escaso dialogo.

Otros aciertos son la brillante elección de El Quijote como referencia palmaria a quien fuera en otro tiempo un bendito loco; o un brillante giro de guión que pasma a la platea en el último tramo de metraje. Y como no, un pletórico Frank Langella que cimienta con su interpretación todo el filme, insuflándole la humanidad que consigue que estemos ante una sencilla cinta hecha con alma que llega al corazón.

By Harry Callahan

NOTA:8/10

TÍTULO ORIGINAL: "Robot and Frank"

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-195967/trailer-19442227/

WEB OFICIAL: http://robotandfrank-film.com/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1990314/

"THE AMERICANS (serie tv)": No es Homeland, ni falta que le hace

La gente calza Converse All Star, luce Rayban Wayfarer y escucha música por la calle con descomunales cascos. Los 80 están de moda. Y lo están tanto que vuelven también los rusos, Reagan y la Guerra Fría. O al menos lo hacen en “The Americans”, la serie de FX que ha supuesto una de las más gratas sorpresas, sino la más, de esta mid-season.

Phillip y Elisabeth son un matrimonio que vive a las afueras de Washington, desde hace 15 años. Tienen dos hijos y trabajan en una agencia de viajes. Son íntimos de su vecino y su familia, que resulta ser un agente del contraespionaje del FBI... El matiz está en que todo esto es una fachada, una tapadera para ocultar la auténtica verdad: son dos implacables efectivos del KGB que, infiltrados de este modo hasta el tuétano en la sociedad americana, espiarán para la madre Rusia cuanto y a costa de lo que sea necesario… o quizás no.

¿Una familia normal?

Este es el presupuesto argumental de una serie que tiene varios elementos que la convierten en un must see indiscutible. De una parte, su elenco actoral. Encabezado por unos más que veraces Matthew Rhys (visto en "Cinco Hermanos") y Keri Russell que pone boca abajo todos los prejuicios que sobre ella pudieran tenerse tras pasar por papeles como la popular "Felicity" de la serie del mismo nombre. 

La química entre ambos actores es demoledora. Como lo es su sincronía a la hora de vivenciar la tensión psicológica en la relación cotidiana de sus personajes. Su eficacia, igualmente, es incuestionable asumiendo los retos que suponen las escenas de acción y enfrentamientos cuerpo a cuerpo, que son aquí de una fisicidad inusitada, muy a la antigua usanza, y ambos en este plano también convencen.

La abuelita Martindale

Rhys y Russell, a su vez, están respaldados por dos secundarios de nota. Noah Emmerich, q a poco que le dejan se zampa la pantalla por obra y gracia de su presencia física y gravedad vocal (imprescindible en VO); y Margot Martindale, que venía de deajarme pasmado por penúltima vez en la segunda temporada de “Justified” y que aquí hace de una “abuelita” de armas tomar...

Todos ellos, pondrán en pié una trama, nada pretenciosa pero con múltiples hilos, que bascula entre la cotidianeidad y deriva de un matrimonio (o más bien dos) a la fuerza, impostado incluso ante los propios hijos, y el cumplimiento de las misiones de espionaje y contra-espionaje más tensas. Pivoteo de asuntos que presenta un balance perfectamente equilibrado, resultando ello, a las claras, otro de los grandes aciertos del show.

El factor humano

Y es que, en “The Americans” se ha apostado por subrayar, con acierto, el factor humano. Ese que tan protagonista era en las novelas de Graham Greene. Y hacerlo presente de modo tan intenso como inteligente, tanto en el conflicto individual que para todos los protagonistas suponen sus relaciones personales, amorosas, sexuales y de dependencia, como perfectamente imbricado en el entorno de natural de un género siempre al límite de que todo se desvele, salga mal (o bien, depende del lado que tomes). 

Este último asunto, de partida presuntamente anecdótico, no ha sido baladí a la postre en el país de las barras y estrellas. De hecho la serie, en los mentideros más patrioteros de USA, ha sido tachada de pro-comunista (sí, aún hay quien maneja estas dicotomías de bloques). Sin embargo, esto creo es lo de menos. No obstante, agradezco mirar desde el otro lado. Aplaudo no proponer a los tradicionales rojos como los malos planos de manual que siempre han sido en los relatos precisamente ochenteros. Lo demás es disfrutar un serial que presenta las innegables virtudes que vengo comentando, que en cada episodio va a más, y que está concebido desde la ausencia de engolamiento, sin ánimo al final de rivalizar con otros productos presuntamente parecidos y deseadamente copiables como “Homeland”. 

Trailer comentado por los actores

Una serie que consigue una efectivísima recreación, pese a estar hecha con razonable presupuesto, de una época que retorna en el imaginario popular en estos días y en la que la labor del espía era mucho más pedestre y romántica: no estaba ultra-tecnificada, ni apoyada con potentes satélites y un conocimiento inmediato de la información, sino que se hacía a golpe de disfraz, emisoras de radio, señales a tiza y contactos cara a cara.

by Harry Callahan

NOTA: 8/10

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://www.fileden.com/files/2012/12/22/3379132/TheAmericansSerieTvCritica.mp3

TÍTULO ORIGINAL: The Americans

TRAILER: http://www.sensacine.com/series/serie-10790/video-19468445/
WEB OFICIAL: http://www.fxcanada.ca/details.php?id=238
DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt2149175/
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST: 
http://www.jamendo.com/es/track/810083/armadillo-feat.-alexander-brat 
http://www.jamendo.com/es/track/649745/nightmare-lyrics
http://www.jamendo.com/es/track/162636/jehali-geroiheroes-went-ahead-white-guards-song
http://www.jamendo.com/es/track/394559/i-otpravloo-v-nebo-orla

"TIPOS LEGALES (2012)": ...Lo que pudo haber sido y no fue

Lo bueno de contar con Pacino y Walken en el reparto de tu película crepuscular de hampones, es que no tienes por qué dar detalles de su pasado. Su sola pinta, su manera de andar y hablar, su solo modo de mirar, ya basta para poner al espectador en situación. Y ello porque estos “tipos legales” han obsequiado al género del mafioseo un más que selecto puñado de inolvidables creaciones, a lo largo de sus ya muy dilatadas carreras.

Por eso tienes todo el tiempo del mundo, todo el metraje que quieras, para contar una trama y hacerla brillar y estar a la altura de tan ilustres invitados a habitarla. No te pueden dar el Dodge Challenger SRT del filme y hacerlo arrastrase por el congestionado centro de la ciudad, sin sacarlo a la autopista. Al trio imponente que completa el siempre eficacísimo Alan Arkin (aquí irrisorio as de la virilidad) no lo puedes desperdiciar en una trama cuajada de chascarrillos sobre la Viagra o el doping con medicamentos para la hipertensión, y en donde la supuesta originalidad emotiva hay que buscarla en secuencias como, por ejemplo, la de un baile rejuvenecedor que el propio Pacino ya interpretó con recompensa de oscar en “Esencia de Mujer”. 

No sé realmente donde está el problema, endeblez directoral aparte. Si en la ausencia de guiones dignos, o en la acomodación alimenticia de quien ya lo ha demostrado todo, pero no deja de ser triste ver como pura sangres de la interpretación acaban siendo mulos de carga, tirando a pelo, de películas como esta que solo se soportan gracias a su presencia, aunque ello bien merezca el pago de la entrada. 

Así las cosas, en el metraje me sorprendo, una tras otra vez, emulando canoramente al bueno de Machín, cantando aquello de …lo que pudo haber sido y no fue. En la duda de qué hubiera dado de sí esta mezcla crepuscular de “La última noche” de Spike Lee y “Dos hombres y un destino”, en otras manos creativas. Qué hubiera resultado de esta amarga comedia de postrera acción en las manos no menos añejas de un tipo como Eastwood, autor de delicias geriátricas tan estupendas y disfrutables como “Space Cowboys”. Pensad en ello.

by Harry Callahan

NOTA: 5/10

TÍTULO ORIGINAL: "Stand Up Guys"

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-203036/trailer-19475675/

WEB OFICIAL: http://www.tiposlegales.filmax.com/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1389096/

"EL CHICO DEL PERIÓDICO": Zafiedad y efectismo made in Daniels

Probablemente, en “Precious”, la anterior película de Lee Daniels, la historia estaba por encima de su puesta en escena. Y ni la torpeza de su director al ponerla tan rudimentariamente en imágenes, conseguía matar su espíritu. En “El chico del periódico” el asunto es bien distinto y en esta sí que podemos felicitar al realizador de Filadelfia porque lo ha logrado. Ha convertido la curiosa novela en que se basa (y que muy a punto estuvo de rodar Almodóvar) en un ejercicio fílmico completamente errático, que colisiona traumáticamente géneros y que trata de ser muchas cosas para, al final, no lograr nada. 

Ya no es sólo el estilo escatológico feísta de su autor el que molesta, sino su preocupación por el efectismo carente de fondo, que aquí se propone enarbolando el sexo y la violencia como ardides que apelan a los instintos básicos del espectador a la hora conseguir atarle a la butaca y que se trague todo lo demás que Daniels le propone y que es, sencillamente, incomestible. 

Se me antoja harto complicado sacar en un film a Nicole Kidman carente de todo glamour. Pues aquí de nuevo el autor de “Shadowboxer” vuelve a batir records. Es difícil imaginarla tan chabacana como luce en esta película. Y no sólo porque su personaje tenga un punto de milf ordinaria con sexualidad barriobajera, sino porque Daniels la hace transitar por situaciones interpretativas que basculan entre el ridículo y la vergüenza ajena (las secuencias de la micción y la masturbación son, directamente, de cárcel sin posibilidad de indulto). 

Claro que el capítulo actoral entero es de nota. Tanto en la ideación de los personajes, como el modo en que estos se encarnan en el celuloide, merecen toda clase de chuscos calificativos que siendo condescendientes podemos resumir en: imposibles, excesivos e inverosímiles. McConaughey y Cusack, no obstante, bien pueden respirar tranquilos, pues ya han hecho esa “la peor película” que todo actor acaba llevando en su filmografía. 

En resumen, que “El chico del periódico” es solo recomendable para quienes, inexplicablemente, gocen con frenesí viendo a Zac Efron en calzoncillos, pues se van, incluso, a hartar. Disculpad la zafiedad de esta crítica, pero todo lo malo se pega.

by Harry Callahan

NOTA:1/10

WEB OFICIAL Y TRAILER: http://thepaperboy-movie.com/

DATOS ADICIONALES:http://www.imdb.com/title/tt1496422/

"ANNA KARENINA (2012)": Deconstruyendo a Tolstói

En Joe Wright se dan dos claras constantes. De un lado, su afición por la reinterpretación de las historias de urdimbre clásica (“Expiación” y “Orgullo y Prejuicio”); y de otro lado, una clara apuesta por dimensionar estéticamente sus obras con exquisitez (“Hanna”). Llevando al paroxismo ambas filias, el realizador inglés nos propone una deconstrucción de la Anna Karenina de León Tolstói que, de entrada, tiene mi aplauso, si bien con una clara objeción. 

Soy de los que afirman, a boca llena, que el cine debe ser un ejercicio de estilo, una creación con huella. Y ésta, indiscutiblemente, lo es. Amparada en un guión audaz, esta transversal versión de “Anna Karenina” es una apuesta fílmica arriesgada. Una reinterpretación implosiva, una sublimación de la esencia, un deliberado quebranto de la ortodoxia, por la que el espectador tiene que entrar. 

Ya desde sus comienzos, que homenajean sin disimulo el “Moulin Rouge” de Baz Lurmahn, las cartas obran sobre la mesa, en una teatralización física y simbólica del mito literario. No busquemos pues en el filme fidelidades al origen, ni respetos por las reglas narrativas del relato primigenio. La película es un salto al vacío narrativo, apoyado en una ingeniosa redefinición de los espacios, los lugares y los escenarios. Amén, de una brillante puesta en imágenes, prodigiosamente coreografiada (esos maravillosos bailes…). 

Joe Wright dando indicaciones a Kiera Nightley en el set

Hasta ahí, todo me gana. Me seducen los retos y éste lo es. El problema llega cuando los fuegos artificiales se reiteran y se avanza en el metraje, una vez que la sorpresa se ha asimilado y los recursos antes novedosos ya casi se adivinan antes de ocurrir. Ahí es donde la historia tiene que dar la cara y embargarte, quemarte por la pasión que exudan los personajes. Y esto, lamentablemente no ocurre. Y eso que el cast no es errático, con un Jude Law, por ejemplo, insólitamente excepcional. Sin embargo, la deconstrucción aquí es tanta que la película acaba convertida en una sucesión de hermosas composiciones, a las que falta hilazón contundente y ritmo empático. No obstante, alabo el gusto de quien al enfrentarse a la enésima versión de algo, antes que volverlo a trillar, da una vertiginosa vuelta de tuerca aun a riesgo de pasarse de rosca.

By Harry Callahan

NOTA: 7/10

TÍTULO ORIGINAL: "Anna Karenina"

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-191856/trailer-19454622/

WEB OFICIAL: http://focusfeatures.com/anna_karenina/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1781769/

"LAS FLORES DE LA GUERRA": ¿Un Zhang Yimou sin pellizco?

Pese a tener secuencias de una puesta en escena brillantes. Aún estando dotada de hallazgos visuales excepcionales, marca de la casa. No obstante todo ello, lo último del chino Zhang Yimou no me conquista y eso que para él siempre he sido presa fácil. Echo a faltar en el filme emoción en el relato, algo insólito en el autor de “Vivir” o “Amor bajo el espino blanco”. 

Y es que, aparte de la propia que traslada la historia y de los gestos heroicos que la jalonan, el filme carece de pellizco. No se si se trata de falta de identificación con el proyecto o secuelas de su propia gestación, siempre complicada, cuando se trata de una producción China y que maneja el presupuesto más caro de su filmografía hasta la fecha. 

El caso es que, además, me asalta incluso cierta sensación de deja-vú, por cuanto la historia que se narra, con matices, ya está vista. Así las cosas y puestos a elegir, antes que esta última propuesta de Yimou, si aún no la habéis visto, optaría por recuperar la magistral “Ciudad de vida y muerte”, sobre el mismo episodio histórico; o la más clásica “La mano izquierda de Dios”, con el mítico Humphrey Bogart haciendo también de falso cura.

by Harry Callahan

NOTA:6/10

TÍTULO ORIGINAL: "The Flowers of War"

WEB OFICIAL Y TRAILER: http://edreamsfactory.es/las-flores-de-la-guerra/

DATOS ADICIONALES:http://www.imdb.com/title/tt1410063/

CIFIMAD: 1-2-3 marzo 2013

Mi gran amigo Jorge Foley me recuerda que, como todos los años y con un montón de sorpresas e invitados de lujo, ya está aquí CIFIMAD, la cita imprescindible con el mundo de la Ciencia Ficción en España. Os dejo un links para que consultéis actividades y horarios y video promo. IMPRESCINDIBLE.

http://cifimad.wordpress.com/actividades/

http://cifimad.wordpress.com/invitados/

"EL VUELO (FLIGHT)": Zemeckis naufraga en su vuelta al cine de carne y hueso

Antes de que a Zemeckis le diese por juguetear, estos últimos años, con la animación digital y el 3D, el realizador de Chicago, otrora fiel discípulo de Steven Spielberg, nos dejó un último filme de similares planteamientos al que ahora estrena. Se titulaba “Náufrago”. En ella, la existencia de un tipo se veía brutalmente alterada por un acontecimiento extremo, traumático. Salvada la vida tras él, lo que seguía era una lucha por la supervivencia y, al final, una necesaria epifanía que resituaba al protagonista en una nueva vida, vista la imposibilidad de regresar a la anterior. Esto mismo ocurre, punto por punto, en “El vuelo”, dándose incluso la coincidencia de que el evento motor del giro copernicano en la vida del protagonista es también un brutal accidente aéreo; y que, además, el peso narrativo de ambos filmes recae sobre las espaldas del trabajo interpretativo de sus actores de peso.

No obstante, si bien los planteamientos son iguales y las historias, en la esencia expuesta, son idénticas, los resultados cinematográficos obtenidos sí que son muy diferentes. Y me explico. El relato de “Náufrago” era mucho más maduro y reflexivo. Y es que, más allá de la mera fábula de superviviencia robinsoniana (un lucido macguffin motor de lo que viene después), me fascinó el segundo tramo del filme, centrado en la vuelta a casa de un muerto que estaba muy vivo. Su difícil reencaje en las vidas de quienes le daban por perdido, la privación de la identidad, del pasado, del presente y del futuro, y la lucha contra esa nueva soledad vital casi insondable, me parecieron elementos tan bien expuestos como muy dignos de elogio en quien se hizo famoso por filmes mucho más livianos, del tipo “¿Quién engaño a Roger Rabit?”. 

Zemeckis junto a Washington en una pausa del rodaje

Sin embargo, todo lo que allí era acierto narrativo, aquí es torpeza y presunción. Torpeza, porque “El vuelo” transita por innumerables lugares comunes, mil veces vistos en telefilmes de medio pelo. Las adicciones y sus consecuencias son asunto trillado al que esta película no aporta innovación alguna. Y presunción, porque todo llega precedido de un halo de cinta adulta para adultos que al final lo es más en las formas que en el fondo. Porque, amigo mío, para quitarte el sambenito de director familiar, no es suficiente con sacar gente desnuda, inyectándose heroína o bebiéndose el vodka en garrafas. Ni es bastante con proponer presuntos dilemas morales “peligrosos” a la postre resueltos con ortodoxia conservadora. Más allá de todo esto, lo que demanda el espectador adulto es cine que le llegue, contado con las tripas, con inteligencia o de modo sorprendente, y nada de esto adjetiva la cinta de Zemeckis que, en ningún momento, llega a interesar lo suficiente, una vez pasado el accidente aéreo rodado, eso sí, de modo prodigioso, faltaría más. 

Quizás, por todo ello, si ni aún teniendo a un siempre inmenso Denzel Washington (mejor actor incluso que el propio Tom Hanks de “ Náufrago”) eres capaz de contar un historia humana, sensible y demoledora como la que la trama merecía, probablemente deberías haber probado suerte explorando otros terrenos más convencionales, de más sencilla narrativa, sobre los que el filme se equivoca al pasar de largo y que no son otros que los del filme clásico, de género judicial, que solvente el muy peliagudo dilema de si hay que meter o no entre rejas a quien, a la postre y con independencia de todo, salvó a decenas de personas de una muerte segura.

By Harry Callahan

NOTA: 5/10

NOMINACIONES A LOS OSCAR: 2

TÍTULO ORIGINAL: "Flight"

WEB OFICIAL Y TRAILER: http://www.paramount.com/flight/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt1907668/

"BESTIAS DEL SUR SALVAJE": La tribu del dique grita libertad

Las tribus, habitualmente, aparecen en los documentales. En la selva. En lugares muy lejanos. Van en taparrabos y se atraviesan la piel con estrambóticos palillos… “Bestias del sur salvaje” nos descubre que hay tribus a la vuelta de la esquina, o en este caso, a la vuelta del dique. Ese que representa una civilización que galopa, como los monstruos del filme, trayendo el apocalipsis de la modernidad a su paso. Una civilización que es la bestia que destruye un modo de vida, el de los “salvajes”, esos que aún oyen el latido de la Naturaleza y que tiene que hacerse fuertes, sin contemplaciones, si no quieren morir, o peor aún, ser desterrados.
Pero estos ingenuos del Sur, irreductibles hasta la muerte, visten vaqueros y beben cerveza. Hablan nuestra lengua y construyen sus casas, sus botes y, en suma, todo lo que les permite vivir un día más con los elementos que el Norte desecha. Ese Norte que tratará siempre de rescatarlos de sí mismos, para luego, seguramente, domesticarlos.

Todo esto debió fascinar a Benh Zeitlin, que ha sabido bien apoyarse en una narrativa visual pseudo documental, salpicada de realismo mágico, que nos zambulle en la esencia viva de esta cercanísima tribu que se aferra al derecho a vivir libre y contra natura. “Bestias del sur salvaje” es así un grito de reivindicación, un manifiesto vida, un deseo de esperanza (im)posible encarnada en la prodigiosa presencia y voz narradora de la niña protagonista Quvenzhané Wallis.

by Harry Callahan

NOTA: 7/10

TÍTULO ORIGINAL:"Beast of the Southern Wild"

NOMINACIONES A LOS OSCAR: 4

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-200333/trailer-19465595/

WEB OFICIAL : http://www.golem.es/distribucion/pelicula.php?id=278

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt2125435/

"LINCOLN": El fin, los medios y el precio

Hay en Steven Spielberg una maravillosa esquizofrenía. De un lado, cultiva el blockbuster con fruición y hasta placer culpable. En primer término, porque desde que era niño carne de programa doble matinal, le ha fascinado la pura y simple aventura evasiva. En segundo lugar, porque ama la cacharrería espectacular y los inventos que la propician. Y en último sentido, porque le hace ganar la pasta necesaria para acometer los proyectos que su madurez como realizador le ha ido demandando a medida que su cine se ha hecho también más adulto. Esa es su otra cara, su otro lado esquizoide al que aludía, su filmografía grave, densa, con la que pretende dejar huella en el espectador y en la historia del cine, en un añadido intento de además desencasillarse como rey midas palomitero.
Así, en este último grupo de filmes encontramos cintas como “Munich”, “Salvar al soldado Ryan” o “La Lista de Schindler”. Películas en las que, además, aprecio dos elementos constantes. Por una parte, un ánimo de narrar episodios históricos, aunando didactismo e ilustración prolija del momento. Por otra parte, una atracción compulsiva por reflexionar sobre si el fin justifica o no los medios. “Lincoln” es un paradigma de esta clase de películas. 

Spielberg en el set de rodaje de Lincoln

Desde el punto de vista de la recreación de los pasajes de la Historia americana que retrata la cinta, asistimos a una puesta en imágenes de los mismos prodigiosa. En este sentido, la confluencia de todos los elementos técnicos usados por Spilberg con su habitual maestría hacen que visionar “Lincoln” sea sentirse en medio de los hechos, entre sus protagonistas, respirando la autenticidad propia de quien admira un inmenso fresco que cobra vida. Es percibir a flor de piel, con emoción vívida, unos instantes (y su intrahistoria política) que cambiaron para siempre a un país y a sus ciudadanos.

El otro tema, el que más me subyuga, es el de dar una nueva vuelta al asunto de hasta donde ha de llegarse en pos de un objetivo, por muy loable y elevado que este sea. Es un asunto nada baladí, que además obsesiona y de qué manera a los estadounidenses. Y que está más presente que nunca hoy, si fijamos nuestra atención en las decisiones relacionadas con la persecución mundial del terrorismo tras el 11-S. 

El hilo argumental de “Lincoln” es precisamente ese, si todo vale y si merece el sacrificio, por inmenso que éste sea, cuando la meta es loable. La posición y el discurso de Spielberg en tal sentido es más que evidente, como lo son sus convicciones de todos conocidas. Además, tratándose del caso de que se trata, poca discusión cabe y la postura relatada es hasta cómoda. Sin embargo, la virtud del filme está en también exponer el precio que, ineludiblemente, las decisiones, todas, hacen pagar.

Más que parecidos muy razonables

Sí... ya lo se... Observaréis que me voy por las ramas y que estoy concluyendo esta crítica sin hacer mención al casting actoral. Y, en particular, a su protagonista indiscutible. Podría hacer un justísimo panegírico de él, pero no sería original, pues a estas alturas todo el mundo sabe que Daniel Day Lewis es y será ya para siempre Abraham Lincoln.

by Harry Callahan

NOTA:8/10

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://www.fileden.com/files/2012/12/22/3379132/lincolncritica.mp3

WEB OFICIAL Y TRAILER: http://www.thelincolnmovie.com/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt0443272/
SOBRE LA MÚSICA DEL OPDCAST: http://www.jamendo.com/es/track/786450/these-winds

"AMOR (AMOUR)": Un filme innecesario...

Los yankis pueden presumir de muchas cosas, pero no de historia y tradiciones. Por eso, sienten una especial fascinación por el viejo continente, por su nobleza y tradiciones. Hace años, los nuevos ricos transatlánticos, incluso compraban, desmontaban, transportaban y volvía a montar hermosos castillos y mansiones europeas en suelo USA. Hoy, matan el gusanillo transformando series como “Downton Abbey” en auténticos fenómenos mediáticos. 
Buscando razones que justifiquen la sorpresiva plurinominación a los oscar de “Amour” de Haneke, caí precisamente en esa aludida fascinación. Y en ese deseo además de dar cierta nobleza a una feria de premios muchas veces considerada como frívola y poco sesuda. Si es por esta razón de imagen, de política comercial, acepto la jugada, heredera de aquellos años en que se puso de moda nominar cine indie (cuando aún lo era), en un también denodado de intento de dar enjundia cultureta a los referidos galardones. En este sentido, todo se entiende. Una palma de oro de Cannes, es una palma de oro de Cannes. 

De otro modo, no acierto a desentrañar los juegos y maniobras que han llevado a Haneke a la alfombra roja. Su película es un drama íntimo, rodado con un afán documental. Es, en lo argumental, un retrato inclemente de lo cotidiano; una invasión de la intimidad más ordinaria. Es un filme doloroso, seco, sin artificios. Es una propuesta inmisericorde, hondamente triste, aunque bella en su retrato del amor más desnudo y esencial, con unos intérpretes protagónicos, eso sí, perfectos, que mantiene la cinta de principio a fin. 

Sin embargo, no es un filme con vitola de oscar en modo alguno. Y, lo que es peor, y pese a sus citadas virtudes, una vez vista no aporta nada, o, al menos, al que esto afirma. Y es que, tras su visionado, me sigo preguntando cuales son las pretensiones de su realizador, más allá de provocar la incomodidad del espectador, como ya es clásico en el cine de este realizador. En su consecuencia, y por mucho que moleste a algunos, se me antoja una película innecesaria, que además es claustrofóbica y muy tediosa, en su afán de estar rodada en clave de Nouvelle Vague. 

Haneke dirige a sus veteranos protagonistas, Jean-Louis Trintignan y Emmanuelle Riva

Así pues, como obra caprichosa de su creador, Haneke tiene todo mi respeto, pues cada cual rueda lo que le da la gana, mientras tenga productor que le financie. Faltaría más. Sin embargo, no es este precisamente ni el mejor Haneke (lejísimo, por ejemplo, de peliculones como “La cinta blanca”), ni un filme que merezca estar en una quiniela de oscar, descabalgando, no olvidemos, a otros con seguramente más méritos. A excepción, claro está, que todo sea una cuestión de dar las referidas apariencias que al comienzo apuntaba.

by Harry Callahan

NOTA: 6/10

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-188067/trailer-19412598/

WEB OFICIAL: http://www.sonyclassics.com/amour/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt1602620/

"LA NOCHE MAS OSCURA (ZERO DARK THIRTY)": El corazón de las tinieblas

La noche más oscura se acerca al corazón de las tinieblas. Ese de la novela de Conrad que magistralmente llevó al cine Coppola. La guerra es brutal, sin reglas, sin límites, sin piedad, pues persigue la muerte. Da igual el bando de que se trate. Da igual el fin que se quiera. Has de golpear antes de que te golpeen. El fin justifica los medios, o al menos, siempre habrá perros de esa guerra que sí cruzarán líneas, da igual lo rojas y marcadas que estén… Porque es necesario…
Esta es una reflexión que hago sentado en mi butaca mientras transcurren los créditos de “Zero Dark Thirty”, al son de los compases del sombrío score del omnipresente Alexander Desplat. Y personalizo esta reflexión pues la mayor virtud de la película es esquivar deliberadamente el posicionamiento moral ante las acciones que se narran, para que sea el propio espectador el que saque sus conclusiones, exortice sus fantasmas o descubra el animal que lleva dentro.

Y es que el filme de la Bigelow, mucho más complejo y redondo que la oscarizada “En tierra hostil”, es aséptico, cuasi-documental. Testamento histórico de unos acontecimientos que han marcado para siempre el modo en que el mundo se enfrenta a sus nuevas amenazas. Lo fácil hubiera sido caer el patriotismo engolado y fascistoide mil veces protagonista en otras épocas, y urdir más un pastiche propagandístico que un relato de hechos terriblemente verosímil, como es “La noche más oscura”.
Porque son otros tiempos y otros modos, también de hacer cine. Y tiene que ser precisamente una mujer la que muestra otra manera de construir un filme bélico histórico, que además es un thriller de espías y una película de acción. Géneros todos tradicionalmente muy masculinos. Una cinta que es prodigiosa en su modo de narrar y de crear tensión en todo momento, con un tramo final magistral, que literalmente te clava a la butaca, pese a que todo el mundo conozca el desenlace.

Si vergonzoso me parece ignorar a Ben Affleck, en los próximos oscar, como director de “Argo”, el colmo del desatino igualmente supone ningunear a Kathryn Bigelow como autora de este filme que, ya simplemente en lo cinematográfico, es maestro y enseña como todavía existen nuevas maneras de contar una película. Claro que qué se puede esperar de una Academia que jamás dio un oscar a gente tan revolucionaria en la narrativa fílmica como por ejemplo Alfred Hitchcock.

By Harry Callahan

NOTA:9/10

TÍTULO ORIGINAL: "Zero Dark Thirty"

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://www.fileden.com/files/2012/12/22/3379132/lanochemasoscuracritica.mp3

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-193444/trailer-19454636/

WEB OFICIAL: http://lanochemasoscura.es/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt1790885/
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST:http://www.jamendo.com/es/track/732519/dusty-universe
 http://www.jamendo.com/es/track/895041/thethird-fall

"HOMELAND (serie TV)": 24 con factor humano

El falso culpable. O, mejor aún, el falso inocente. O, quizás, ni lo uno, ni lo otro. O ambas cosas. Esto es Homeland. Pero también, mucho más. Es la serie de moda en EEUU. La favorita de Barack Obama. La que no para de cosechar premios. La que tienes que ver si aún no lo has hecho...
Poniéndonos en antecedentes argumentales y reconociendo a cada cual lo suyo, lo primero que hay que aclarar es que “Homeland” no es un producto original. Es el remake americano de una serie israelí titulada “Hatufim (Prisioners of War)”, aunque con ciertos cambios, sobre todo en su segunda temporada. Esos cambios han sido la personal huella de Alex Gansa, Howard Gordon y Chip Johannessen, libretistas de la mítica “24”. A ellos, además, se debe la impronta de thriller de acción con trasfondo político y terrorista contemporáneo que tiene el show desde el comienzo. Suyos son, claro está, los giros de guion, las vueltas de tuerca y el componente sorpresa marca indeleble de la casa.
Sin embargo, “Homeland” no es una nueva versión “24”. Es un producto que no solo persigue ser un entretenimiento de calidad, sino que se me antoja un serial más maduro y adulto, con una preocupación cuasi obsesiva por la creación de personajes densos, con profundidad psicológica, que contrapesan en sus interrelaciones los momentos de mera acción non stop. En esos terrenos, la clave es el concurso de un tipo como Henry Bromell, productor ejecutivo de la malograda “Rubicón”, una opresiva y conspiranoica serie de espías contemporáneos que mereció mejor suerte que su cancelación tras la primera temporada.
Las manos guionistas de todos ellos han parido un producto que presenta un equilibrio perfecto entre la acción más dinámica y estresante, de un lado; y de otro, los conflictos personales más realistas en los que el factor humano siempre será desencadenante de cuanto pase.

 

 El reparto de Homeland en los pasados Globos de Oro

 

Pero un relato planteado en estos términos, si aspira a tener éxito, tiene a la fuerza que descansar sobre un casting con empaque. En ese asunto, “Homeland” presenta un triángulo actoral que envidiaría, a día de hoy, cualquier showrunner. Damian Lewis, Mandy Patinkin y en grandiosa medida Claire Danes, capturan al espectador con el verismo de sus interpretaciones, involucrándolo en sus conflictos hasta el punto de que las propias relaciones personales generan la misma o más tensión que la propia (y más obvia) de la trama terrorista.

La clave de todo ello es el diseño de los caracteres. En este caso, al contrario de lo que ocurría en “24” con el personaje de Jack Bauer, un héroe heterodoxo en los modos pero que sigue los cánones más o menos clásicos, en “Homeland”, el sargento Brody, Saul Berenson y Carrie Mathison son un trío de anti-héroes mucho más humanos, vulnerables y por ende, más creíbles que el que interpretara Kiefer Sutherland.

Ello definitivamente arrastra al espectador a empatizar de un modo definitivo con los protagonistas, lo que, nuevamente, conduce a una verosimilitud mayor, que se convierte en definitiva, cuando el trasfondo geo-político, en el que tiene lugar la narración, se sitúa en una América post 11-S que toma prestados de la realidad muchos hechos rabiosamente contemporáneos. En tal sentido, de destacar es el riesgo tomado por los responsables del serial al poner en imágenes situaciones y momentos que tocan heridas abiertas y aún sangrantes de la historia reciente de los EEUU.

Poster de la serie israelí "Hatufim" en la que se basa "Homeland"

Todo ello, hace de “Homeland” una serie, sencilla y sinceramente, imprescindible. Hasta la fecha consta de dos temporadas. La segunda mejor aún que la primera, a la que le costó arrancar, pues sus seis primeros episodios se preocupaban más de reenganchar espectadores que de avanzar en la trama. No obstante, tras esos seis capítulos iniciales, sus responsables pisan el acelerador y todo en adelante serán curvas… y unos finales de temporadas brutalísimos. Esperemos que la tercera y probable última season, que resitúa a los personajes protagonistas en puntos de partida radicalmente diferentes, logre ofrecernos un cierre de historia que por lógica de acontecimientos no debería de durar, pero que si sigue contándose del mismo modo que hasta ahora, no me importaría que se prorrogase cuantas temporadas les dé la gana a sus creadores.

By Harry Callahan

NOTA: 1ª temporada 8/10 - 2ª Temporada 9/10

 

ESCUCHA ESTA CRÍTICA EN PODCAST: http://www.fileden.com/files/2012/12/22/3379132/HomelandTvCritica.mp3

TÍTULO ORIGINAL: "Homeland"

TRAILER: http://www.sensacine.com/series/serie-9285/video-19356666/

WEB OFICIAL: http://www.sho.com/sho/homeland/home

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.com/title/tt1796960/

DATOS SERIE ORIGINAL "HATUFIM": http://www.imdb.com/title/tt1676462/
SOBRE LA MÚSICA DEL PODCAST: http://www.jamendo.com/es/track/895041/thethird-fall

"EL DOBLE DEL DIABLO": La versión "seria" de "El Dictador"

“El doble del Diablo” tiene tufo a serie europea de opereta. De esas que producía la televisión de Berlusconi, en las que todo parece impostado, de cartón piedra, y excesivo, muy excesivo.
Tamahori nunca fue el genio que muchos quisieron ver en “Guerreros de antaño”. Su filmografía de películas americanas así lo acredita, con fiascos como “La Brigada del sombrero” o “El desafío”, en donde lo tenía todo y se despeñó; y otros títulos que tan solo quedaron correctos, como el 007 “Muere otro día”. El resto son naderías tipo “Next” o “XXX-2”
Exiliado ahora por las grandes majors, y con amparo en productoras del viejo continente, trata de poner en pie cintas como ésta que, claramente, le queda muy grande. A él y a Dominic Cooper, su duplicado protagonista. Ambos dibujan a grosos brochazos la figura del hijo de Sadam Husein, convirtiéndolo en una suerte de Tony Montana pasado de rosca que permanentemente se ahoga en el ridículo más esperpéntico.

 Dominic Cooper haciendo de Tony Montana

Una lástima, pues de caer en manos de otros con mejores oficios, estaríamos ante un producto más próximos a la muy reivindicable serie B “Caza al terrorista”, que dirigiese magistralmente Christian Duguay, que a esta versión pseudo-seria (sin pretenderlo) de “El Dictador” con Sacha Baron Coen.
By Harry Callahan
NOTA:3/10

TÍTULO ORIGINAL: "The Devil´s Double"

TRAILER Y WEB OFICIAL: http://www.thedevilsdoublefilm.com/index2.html

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt1270262/

"GOLPE DE EFECTO": La grandeza de Eastwood

El gran Clint Eastwood ha sido infiel a su promesa. Y es que, tras protagonizar “Gran Torino”, anunció que no interpretaría más, que continuaría únicamente oficiando de realizador, los años que Dios y las aseguradoras le dejasen hacer cine. Cierto es que aquel papel de viudo descreído y huraño, resumen perfecto de muchos de sus roles protagónicos, bien pudiera haber sido el perfecto punto y final a una memorable filmografía como actor.

Sin embargo, el aventurero de medianoche, ha querido ser fiel a sus amigos. Por eso, cuando su antiguo ayudante de dirección y ahora socio en la Malpaso, Robert Lorenz, le rogó que una última vez se pusiera delante de la cámara, el bueno de Clint no supo decir que no. Así, la suerte y la amistad se han aliado para darnos como bis de propina el gustazo de volverle a ver en pantalla grande, esa que llena de carisma y presencia con la grandeza que un día lo hicieran Bogart o Wayne.  

A priori, además, su papel de veterano cazatalentos venido a menos, que mantiene una difícil relación con su hija, volvía a ser uno de esos que últimamente le ajustaban como un guante. El muy americano asunto del baseball y compañeros de casting tan atractivos como Amy Adams o John Goodman, nos hicieron pensar que el que fuera Harry El Sucio nos volvería a alegrar el día.

 

El problema es que “Golpe de efecto” confunde el tocino con la velocidad, o, en este caso, la sencillez con la simpleza. Y si bien nunca fue un filme con ínfulas, ni se esperaba un nuevo “Gran Torino”, lo cierto y verdad es que la cinta es un estrenos tv que solo el buen hacer de Eastwood consigue dignificar y elevar muy por encima de lo que merece.

Y, si bien hay que aclarar que no estamos ante un fiasco como “El Cadillac Rosa” (la otra vez que el actor de California encabezó cartel por pura amistad), la torpeza de Robert Lorenz a la hora de poner en imágenes esta historia es más que insondable. No hay el menor atisbo de trascender en el modo de rodar. Ni creatividad alguna, desde el punto de vista narrativo. Por otra parte, el guion es un refrito de tópicos y lugares comunes, un ejemplo de previsibilidad que jamás consigue mantener la curiosidad del espectador.

Eastwood recibe indicaciones de Lorenz

Lo único que hace que no te quieras levantar de la silla, sino más bien lo radicalmente opuesto, quedarte pegado a ella, son los momentos en los que el que fuera William Munnie hace acto de presencia, con sus ochenta y dos inclementes años visibles en cada movimiento, en cada arruga de su avejancado rostro. Sus miradas, gestos y modos siguen embelesando a la platea. Filmes como este, absolutamente crepusculares en la carrera de un actor, te hacen además dejar volar tus recuerdos y situarle con la imaginación en tantos y tantos otros roles con los que gozaste durante años. 

Por ello, este “Golpe de efecto” sabe a copa de vino muy añejo, que cuando la disfrutas sabes que, muy probablemente, ya no volverás a poder paladear de nuevo. Porque, amigos, este filme de Eastwood sí que pudiera ser el último título de su carrera actoral. La Naturaleza no miente, ni perdona. Y ello le confiere a la película un valor que, atendiendo a otras razones, meramente cinematográficas, no tiene ni de lejos. En este sentido, resulta más emocionante que nunca ver como esos inimitables andares arrastrados se alejan de cámara en el último plano de la cinta, al tiempo que resulta incontenible sonreír de medio lado y pensar: ¡que grande eres, maestro!

by Harry Callahan

NOTA: 7/10

TÍTULO ORIGINAL: "Trouble with the Curve"

TRAILER: http://www.sensacine.com/peliculas/pelicula-198088/trailer-19412591/

WEB OFICIAL: http://wwws.warnerbros.es/troublewiththecurve/

DATOS ADICIONALES: http://www.imdb.es/title/tt2083383/